El diseño español se encuentra en un momento emocionante y sin precedentes. Reconocidos diseñadores con una trayectoria consolidada están desarrollando proyectos en todo el mundo, de forma individual o en colaboración con empresas e instituciones.
Cuando se asentó el diseño americano, anglosajón, nórdico e italiano, sólo unos pocos pioneros españoles lograron destacar.
El diseño español y el protagonismo de sus diseñadores, empezó a tomar impulso en la década de los 80 y alcanzó su punto álgido en la década de los 90 con la organización de los Juegos Olímpicos de Barcelona y la Exposición Universal de Sevilla, sin olvidar la Feria Hábitat Valencia, con una importante red de empresas y diseñadores.
En el siglo XXI, los diseñadores se forman en las grandes escuelas de diseño de España, Italia y países nórdicos, convirtiéndose en un nuevo motor destacado por la crisis de 2008.
Comienza a perfilarse el caleidoscopio de una nueva historia del diseño español contemporáneo. Patricia Urquiola y Jaime Hayon lideran hoy la imagen del diseño español, seguidos de un interesante grupo de diseñadores de todos los rincones del país. Sus proyectos dejan una huella imborrable con su creatividad, singularidad, compromiso e innovación.
Con motivo de su edición de enero, Maison & Objet abrirá la puerta a una nueva visibilidad para los talentos españoles. Diseñadores que se mueven con fluidez en todas las áreas del diseño. Una fluidez y flexibilidad creativa que el jurado, en colaboración con Madrid Design Festival, destacó durante su selección.
Un jurado compuesto por profesionales del sector, que están liderando el cambio sustancial del diseño español. Cada edición de Maison & Objet, es una oportunidad para presentar las nuevas caras internacionales del diseño.
Maison & Objet está mapeando el futuro del diseño y sus protagonistas. El evento tendrá lugar en París del 19 al 23 de enero de 2023.
Sobre el jurado
Jaime Hayon es uno de los diseñadores más reconocidos del mundo. Su visión creativa le permite abarcar todas las áreas del diseño; se mueve con fluidez en los entornos globales y colabora con empresas e instituciones de todos los ámbitos. Ya sea en sus cuadernos de bocetos o en sus objetos, espacios interiores, ropa, jardines o muebles, apuesta por un enfoque del diseño que rompe con las convenciones y aporta una visión transgresora y pícara. En los últimos años ha desplegado toda su fuerza expresiva a través del enfoque artístico.
Después de desarrollar proyectos durante 20 años en La Fábrica: la empresa de gestión cultural más importante de España, se convirtió en el promotor y director de Madrid Design Festival. Un evento que, durante todo el mes de febrero, acoge exposiciones, conferencias, talleres y múltiples encuentros. Las últimas cinco ediciones del festival han posicionado a Madrid como uno de los centros de difusión del diseño en el mundo. También es fundador de Almadás, consultora de diseño y comunicación, y CEO de Wander by Soulsight.
Sus iniciativas destacan la expansión de los valores del diseño contemporáneo desde todos los ángulos posibles.
Recientemente galardonada con el Premio Nacional de Diseño, su trayectoria demuestra una constancia y un impacto creativo que la sitúan como uno de los exponentes más importantes del diseño español. Su obra está íntimamente ligada a los materiales, la tradición y la artesanía, sin olvidar la tecnología y la innovación. Los diferentes productos que creó para IKEA, han dado la vuelta al mundo como símbolo del diseño de calidad a un precio asequible. Sus recientes colaboraciones con Marset, Gandía Blasco y Lladró son prueba de una sensibilidad creativa única.
Xavier Franquesa es un explorador y descubridor sin precedentes del talento del diseño creativo en España. Desde su galería de diseño IL.LACIONS, inaugurada en 2010 en Barcelona, propone un diseño contemporáneo que rompe con las fórmulas tradicionales y muestra la evolución de la innovación ligada al arte. Uno de sus objetivos es hacer coleccionable el diseño y generar nuevas miradas y acercamientos a diferentes autores y sus proyectos. Ha realizado con éxito más de 600 proyectos a nivel nacional e internacional, desde la dirección creativa hasta la conceptualización y el diseño.
Fundadora, junto a Jeff Brock, del estudio Moneo-Brock en Madrid y Nueva York, centra sus proyectos en la arquitectura, urbanismo, interiorismo y diseño de producto. Sus proyectos en Estados Unidos, México, China, Perú y toda Europa reflejan un especial interés y apuesta por una nueva adaptación de las ciudades con el objetivo de hacerlas más humanas, cercanas y saludables. Uno de sus últimos trabajos es una plaza en Sencelles, un pueblo de Mallorca, que lleva un potente mensaje sobre la calidad de vida mediterránea en un espacio de encuentro y conversación entre elementos artesanales y materiales del entorno.
Categoría CRAFT Aude Tahon
Después de un master en Antropología y su paso por la Escuela de Artes Aplicadas de Duperré, Aude Tahon abrió su estudio de arte textil y recibió el Grand Prix de la Ville de Paris en 2005 y el Prix Jeunes Créateurs Ateliers of Art of Francia en 2006.
Muy comprometida con la transmisión y el reconocimiento de la creación artesana, se convierte en la Presidenta de Ateliers d’Art de France desde 2016 hasta 2022. Bajo su presidencia, Ateliers d’Art de France ha desplegado un estrategia marcada por acciones para unir a los profesionales del sector y hacer que el lugar de la artesanía sea reconocido en la sociedad.
Es bajo su impulso, en colaboración con SAFI, que en 2021 se creó la categoría CRAFT de los Rising Talent Awards, destacando la artesanía en la feria Maison & Objet, con el fin de satisfacer las expectativas de los compradores en busca del atractivo valor de la artesanía.
Los talentos españoles ganadores
Marta Ayala Herrera
Estudió ingeniería y se especializó en diseño industrial en la Universidad Nebrija. Sus primeras colaboraciones profesionales vieron la luz en el estudio Ciszak Dalmas, Doiy Barcelona, Madrid Design Festival y La Casa Encendida. Recibió el Premio Injuve en 2013. Actualmente su estudio se encuentra en Poblenou, Barcelona.
Su enfoque consiste principalmente en experimentar procesos y buscar materiales diversos, especialmente a bajo costo. Ha mostrado coherencia e investigación constante de nuevas funcionalidades, con piezas desmontables de acabados artesanales y una mezcla de materiales delicados. Ha expuesto en Casabanchel en Madrid, durante la Semana del Diseño de Milán y Ventura Lambrate en Milán, y en Lille World Design Capital.
La fragilidad de sus creaciones deja huella; cada objeto lleva un mensaje existencial, como Espejos Nébula, 2 a 1 o mobiliario Mustang. En las tiendas Kling hay una poderosa influencia lúdica, una reinterpretación del movimiento Memphis.
Las personas y su entorno están en el corazón de sus creaciones; el medio ambiente, la igualdad de género y la evolución de la sociedad no escapan a su mirada comprometida.
Max Mila Sierra
Estudió diseño industrial en la Escuela Elisava de Barcelona, luego trabajó durante varios años en el estudio de Antoni Arola. Ha centrado su actividad como diseñador en la iluminación experimental y creativa. Ha participado en festivales, como LLum, Fad Fest, Madrid Design Festival y London Design Week.
La luz es la materia sobre el que centra toda su visión. La multiplicidad de materiales y superficies sobre los que proyecta la modulación y matiz de la luz en el espacio. Su colaboración con Antoni Arola no le ha impedido desarrollar sus propios proyectos con gran sensibilidad.
Destacan sus piezas con rocas sin pulir y elementos vegetales. El espectador se sumerge en una atmósfera sofisticada y ancestral.
Lotus LED, Confetti Time, Semilla 1 o Valldaura Light rinden homenaje a la búsqueda de la luz con elementos delicados y frágiles, aunque sea roca natural, piedras alineadas para captar los rayos del sol, sea cual sea su intensidad.
Abre la luz a otras dimensiones humanas. Despierta emociones y crea nuevos vínculos a través de una iluminación sostenible conectada con la naturaleza.
Miguel Leiro
Estudió diseño en el Instituto Pratt de Nueva York. Ha colaborado con estudios de arquitectura, arte y diseño, como Moneo-Brock, Juan Uslé, Victoria Civera y Jaime Hayon. Ha participado en exposiciones como el Madrid Design Festival, Experimento Design, la BID Bienal Iberoamericana de Diseño, el Colegio Oficial de Arquitectos de Madrid COAM, Zona MACO de Ciudad de México, etc. Es fundador, organizador y director de la bienal de diseño MAYRIT, un festival que reúne a creadores alternativos enfocados en la experimentación.
Las piezas que crea combinan funcionalidad y creatividad constantemente innovadora. La flexibilidad de los materiales, la forma en que se ensamblan, las diferentes posibilidades de uso no están predeterminadas; la interacción e intervención con el usuario es siempre necesaria. Se mueve con soltura en contextos industriales y artesanales. La progresión de su obra es multidisciplinar y abierta a la difusión, exhibición, diseño de objetos y mobiliario.
Abu Table, Hat Lamp, Relicario, Brocca o AIM Cart destacan la diversidad de materiales y las técnicas multidisciplinares de su visión como diseñador.
La sostenibilidad que valora es sistémica y parte intrínseca de sus proyectos y creaciones. Su compromiso personal se extiende al descubrimiento y difusión de nuevos talentos, brindándoles la oportunidad de mostrar su trabajo en las exposiciones que organiza.
Tornasol Estudio: Inés Llasera y Guillermo Trapiello
Fundaron su estudio en 2017. Inés Llasera es diseñadora industrial y Guillermo Trapiello es arquitecto y cartógrafo.
Su trabajo es una intersección entre la arquitectura, las artes visuales y los objetos que diseñan. Analizan los espacios y los elementos que los componen con enfoques muy diferentes. Estudian la luz, el movimiento, los colores, la escala y la materialidad.
La exploración de nuevas formas de representar la realidad y la multifuncionalidad son algunas de sus principales características. Su obra se abre paso entre la arquitectura, los espacios interiores, los objetos y el mobiliario, que generan diferentes posiciones. Los materiales son siempre del entorno más cercano; la tradición y el juego siguen presentes.
La reconstrucción de un antiguo secadero en Trujillo, la colección Mikado, el taburete Marea, la butaca Deriva, la lámpara Atardecer; espacios, objetos y muebles se mezclan con soltura y fluidez.
Renovar espacios con materiales del entorno. Buscan la sostenibilidad en cada proceso, en cada detalle del diseño. Tienen un gran respeto por la sociedad y el medio ambiente.
Marta Armengol
Estudió arquitectura en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona. En su trabajo cruza los límites entre la arquitectura, el diseño y la artesanía; sin olvidar la escenografía o instalaciones más artísticas. Los espacios que diseña transmiten un mensaje de artesanía radical, mezclando vidrio con muchos materiales diferentes. Destaca una sensibilidad muy cercana al arte.
Su línea de creación es conceptual con una esencia muy clara de artesanía radical, pero también con un toque poético. Experimenta con materiales y obtiene resultados fuera de lo común en cuanto a formas y texturas. En su creatividad, se interesa por la luz y los objetos cotidianos. Trabaja sola o en compañía de artesanos y artistas de ideas afines.
Rosalía eligió sus creaciones para su escenografía. También ha expuesto en el Palais de Tokyo, en la Barcelona Design Week, el Dutch Design Festival, la Mayrit Biennale, etc.
Una de sus últimas creaciones resume su visión y trayectoria: el interiorismo de la tienda Camper en Valencia. Jugó con la luz y las texturas y creó formas envolventes que dan al visitante la sensación de entrar en una caverna lúdica llena de matices.
Sostenibilidad ante todo sin olvidar la estética y la sensibilidad poética. Explora los límites de los materiales para reutilizarlos o reciclarlos. También es importante el mensaje conceptual a través del arte, como su instalación “The plastic Kingdom” para el Festival LOOM de Barcelona.
Álvaro Aramburu
Estudió Diseño Industrial en la Escuela Técnica Superior de Madrid, luego Artes Aplicadas en HDK Steneby. Trabaja principalmente con madera, y se enfoca en muebles y objetos únicos hechos a mano. También forma parte de un colectivo de promoción del diseño en Suecia y del estudio Växt, un coworking que trabaja para el desarrollo interdisciplinar del diseño. Ha expuesto en la galería de diseño Espacio Intermedio.
La madera es el material que le obsesiona como elemento sensible para el desarrollo de su creatividad. Sus procesos de trabajo lo acercan a los objetos cotidianos, pero los dota de otros ángulos y puntos de vista; la funcionalidad no es su objetivo principal. Su intención es empujar al espectador a distanciarse de los objetos cotidianos de uso doméstico para incitarlo a reflexionar.
Los colores, texturas y luminosidad de sus piezas consiguen acabados únicos y sorprendentes.
Todas las tonalidades de la madera se revelan en sus piezas, especialmente en sus muebles Klana, Torii, Lidia, Selekto. Y en sus creaciones más artísticas: Cucharas, Anamnesis.
Transmite el compromiso con el medio ambiente, el respeto por la naturaleza y el cuidado de los bosques como elemento humano natural.
Josep Safont: The Rising Talent Craft Award
En cada edición de la feria, el ganador internacional de los Rising Talent Awards CRAFT expone en el pabellón CRAFT TALENTS en el corazón del Hall 5A, en el sector CRAFT.
La Generalitat de Catalunya apoya a la artesanía artística, en particular a través de la organización anual del Premi Nacional d’Artesania, y el apoyo a jóvenes talentos catalanes como el artista textil Josep Safont, nuevo ganador del Rising talents Craft .
Nominado por Ateliers d’Art de France y la Generalitat de Catalunya.
Estudió en la Escuela Massana de Barcelona. Profesionalmente, se centró en la artesanía y el arte textil. Las fibras son el elemento natural de sus evocadoras y líricas creaciones. En 2020 abrió su propio estudio en Barcelona. Entre telares esculpe su visión y sus propias ideas, los volúmenes, el diseño y los acabados experimentales.
A sus piezas más etéreas y experimentales se unen coloridas alfombras con motivos geométricos. Los telares con los que crea sus piezas textiles llenan el espacio de su estudio y se unen a otras piezas de algodón y fieltro con bordados en tinta negra y yuxtaposiciones de hilos.
La ceba som tots, Suite Vulnus son algunas de sus obras. La inquietud es el hilo que todo lo teje, un mantra que alimenta con su uso no convencional de la fibra y su constante investigación en nuevos materiales, nuevas técnicas y nuevos procedimientos.
Sobre Maison & Objet
Desde hace 27 años, Maison&Objet Organizada por SAFI, ha reunido y ha estado colaborando estrechamente con la comunidad internacional del diseño, la decoración y el lifestyle.
Su capacidad es única para generar negocios, encuentros internacionales, y dar visibilidad a las marcas en sus ferias comerciales o su plataforma digital, pero también posee un singular instinto para impulsar las tendencias que harán latir el corazón del planeta de la decoración. Revelar talentos, ofrecer oportunidades de debate e inspiración online y offline, facilitar el desarrollo empresarial, es la misión de Maison & Objet.
A través de dos ferias anuales reservadas a los profesionales y la Semana del Diseño de París, en septiembre este evento único reúne la energía creativa de diseñadores y marcas en la ciudad de la luz.
Además, desde 2016, MOM (Maison&Objet and More) permite a compradores y marcas continuar sus intercambios, lanzar nuevas colecciones o establecer contactos más allá de las reuniones físicas. Los resúmenes semanales de nuevos productos estimulan continuamente la actividad en el sector.
Para ir más allá, Maison&Objet Academy ahora ofrece a los profesionales un canal web exclusivo que mensualmente ofrece contenido dedicado a la formación y a las tendencias del mercado. Mientras tanto, en las redes sociales, diariamente se interactúa con una comunidad de casi un millón de participantes activos en Facebook, Instagram, TikTok, Twitter, LinkedIn, Xing y WeChat.
Fuente: Prensa Maison & Objet
